Fondation Giacometti

Le XXe siècle voit une prolifération sans précédent de peintres et cette exposition explore le phénomène à travers une liste d'artistes tels que Georg Baselitz, Max Beckmann, Georges Braque, Marc Chagall, Honoré Daumier, Edgar Degas, Jean Dubuffet, Max Ernst, Paul Gauguin, Alberto Giacometti, Ernst Ludwig Kirchner, Yves Klein, Willem de Kooning, Markus Lüpertz, Henri Matisse, Joan Miró, Amedeo Modigliani, AR Penck, Pablo Picasso, Antoni Tàpies et Cy Twombly.
Le résultat est un ensemble d'œuvres remarquables illustrant un large dialogue et nous montrant des peintres délestés de toutes les conventions en apportant leurs visions personnelles au domaine de la sculpture.

C'est Pablo Picasso qui a dit: "La sculpture est le meilleur commentaire qu'un peintre puisse faire sur sa peinture". Au début du vingtième siècle, le travail de Picasso l'avait déjà amené à réaliser que parler de la modernité de son temps impliquait nécessairement la possibilité d'agir directement sur les matériaux et l'espace. Les peintres avaient été fascinés par Michel-Ange et sa capacité à travailler avec un génie égal dans la peinture et la sculpture, mais pour eux c'était un monde apparemment inaccessible: la notion répandue à l'époque était que le talent artistique ne pouvait pas domaines très différents. Le vingtième siècle a rompu avec cet ordre accepté alors que les grands peintres descendaient la route de la sculpture dans un esprit de liberté sans entraves. Confrontés à la question de l'espace, ils ont abandonné la couleur et les limites fixes de la toile et se sont mis à utiliser des matériaux traditionnels ou innovants pour donner une expression sculpturale à leur sensibilité personnelle et à leur sensibilité aux matériaux. Le résultat était une vision contemporaine remarquable. Ces artistes ont approché la sculpture sans l'entraînement ou les compétences pratiques d'un métier hautement codifié. Et en tant que véritables créateurs, ils ont trouvé des solutions totalement originales, dont l'une était de donner une place nouvelle aux idées habituellement confinées aux marges des œuvres si souvent enracinées dans la réalité. Maintenant la sculpture s'est imprégnée de la vie.

Le recours au cliché de Degas témoigne de sa fascination pour la photographie car, à la fois dans la peinture et la sculpture, il apporte générosité et observation à son portrait du monde de la danse. L'art de l'époque portait encore la marque de l'impressionnisme, mais Picasso ne tarda pas à abandonner cette influence et à inventer un monde fascinant et autonome. Gauguin, Kirchner et Modigliani s'inspireraient de cultures «exotiques» inconnues, et un degré de primitivisme marque la sculpture dans laquelle ils cherchent de nouveaux moyens d'échapper à l'emprise de la réalité. Les surréalistes comme Miró et Ernst n'ont eu aucun scrupule à faire violence à la représentation, fixant leurs rêves dans la pierre et le bronze pour une «nouvelle éternité». Proclamant qui il était et ce que son imagination lui disait, chacun de ces artistes a créé un type de sculpture qui parlait avec éloquence de son temps.

Grâce à des découvertes sans fin, les peintres ont alors trouvé des solutions auxquelles les sculpteurs n'avaient jamais osé penser et, par la même occasion, ils ont affranchi la discipline de la culture ambiante. La sculpture n'était plus une simple décoration, et encore moins une adjonction architecturale; Au lieu de cela, il s'est épanoui à sa manière souveraine. Ainsi la beauté trouve d'autres modes d'expression, et le corps, si souvent utilisé pour masquer la vérité, n'est plus sacré. Giacometti a utilisé son approche du physique de l'homme pour restaurer le sens du destin humain, tout en ayant parfois recours à l'amélioration picturale sous la forme d'une patine superposée sur le bronze. Plus tard, De Kooning a poussé cette vision du corps à ses limites extérieures dans un Expressionnisme exacerbé qui était un contrepoint indépendant mais manifeste à sa peinture. Baselitz apporta une puissance surprenante au bois et, comme Kirchner des décennies plus tôt, ne craignait pas d'utiliser de la peinture pour remplir sa vision d'une nouvelle noblesse: les blessures non dissimulées laissées par la scie donnent naissance à un nouveau matériau, exalté par un sculpteur alerte au conseil de l'âme de son peintre. Lüpertz, quant à lui, a ajouté des couleurs vives au bronze, modifiant les perceptions du spectateur alors qu'il utilisait les échos du passé pour parler au présent.

C'est ce dialogue entre personnalités et perceptions généreuses et divergentes qui sous-tend l'exposition - une exposition marquée par les contrastes et les conflits, vraie, mais aussi par les complémentarités. Les œuvres de ces artistes du vingtième siècle ont forgé une sculpture indépendante, inattendue, traversée par un pouvoir singulier, jusqu'alors inconnu et toujours novateur, qui donnait une expression distinctive à quelque chose que la peinture seule ne pouvait pas communiquer. Désormais, deux mondes s'imbriquent dans nos mémoires, indissociables de l'œuvre de chacun des artistes et de l'œuvre de chacun des artistes et d'une ère de liberté créative sans limite.